Das Kunsttagebuch Juni 2023

Sep 26, 2023

5. Juni 2023 • Teilen —

Das Juni-Kunsttagebuch umfasst Gwen John, Marc Chagall, Louis Carreon, Peter Howson, Laura Knight, Cecilia Vicuña und Yun Hyong-keun.

Gwen Johns Konvertierung zum Katholizismus im Jahr 1913 und seine Auswirkungen auf ihre Kunst sind noch nicht vollständig bekannt, aber „Gwen John: Kunst und Leben in London und Paris“ im Pallant House stellt einen weiteren Schritt auf diesem Weg dar. Johns Bekehrung bedeutete, dass sie nach neuen Methoden suchte, um den Glauben in ihrer Kunst zum Leben zu erwecken. Kunst und Glaube wurden in Paris bereits in erheblichem Umfang erforscht, und in ihrem Katalogvorwort zu ihrer Einzelausstellung in London im Jahr 1926 zitierte sie den führenden modernen französischen religiösen Künstler Maurice Denis, der sich für die Verbindung von Kunst und Katholizismus eingesetzt hatte auf experimentelle Weise. Sie bewunderte auch die Arbeit von Georges Rouault, dem herausragenden römisch-katholischen Künstler seiner Zeit, und Paul Cezanne, der das ewige Element des Universums, den „Pater Omnipotens Aeterna Deus“, erforschen wollte. Darüber hinaus war sie in Meuden, wo sie lebte, eine Nachbarin des katholischen Philosophen Jacques Maritain (der in seinem Haus regelmäßig Studienkreise mit bedeutenden Künstlern abhielt) und eine enge Freundin seiner Schwägerin Véra Oumançoff.

John wurde auch von dem Dichter Rainer Maria Rilke beeinflusst, der eine Zeit lang als Assistent von Auguste Rodin arbeitete. Sie lernten sich im 20. Jahrhundert in Rodins Atelier kennen und wurden Freunde. In seinen Schriften versuchte Rilke „den Geist des westlichen Materialismus wiederherzustellen“ und förderte „ein geschärftes Bewusstsein dafür, wie man mit der Welt, wie sie ist, lebt und wie man in einer Welt zusammengebrochener spiritueller Gewissheit ein Gefühl der Transzendenz bewahrt.“ John besaß mehrere Bücher über Rilke, und nach seinem Tod im Jahr 1926 wandte sie sich weiterhin in ihren privaten Notizen an ihn und schrieb: „Rilke! Halte meine Hand! … Lehre mich, inspiriere mich“ und 1931: „Ich bin ruhig.“ und gesammelt, nicht wahr? Wenn ich an Rilke oder meine Arbeit denke?“

John schrieb von sich selbst als „Gottes kleine Künstlerin“ und davon, dass sie „in die Kunst einsteigt, wie man in die Religion einsteigt“. Die Aufmerksamkeit, die sie sowohl den Themen ihrer sich langsam entwickelnden Ölgemälde als auch den schnellen Skizzen, die sie von den Einheimischen in der Kirche anfertigte, schenkte, scheint für sie mit Gebet gleichgesetzt worden zu sein. Sie betrachtete sich selbst als ein sinnliches Wesen, das nicht in der Lage war, längere Zeit zu beten, schrieb jedoch, inspiriert durch den „Kleinen Weg“ der Heiligen Thérèse von Lisieux, der darlegt, wie die kleinste Sache im Namen Gottes getan werden kann, dass sie es sein müsse eine Heilige in ihrer Arbeit. Was sie in ihrer Arbeit zum Ausdruck bringen könne, sei der „Wunsch nach einem mehr inneren Leben“ gewesen, schrieb sie. Dementsprechend meditiert ihre Kunst in aller Stille über die Schönheit des Alltags, und zwar auf eine Art und Weise, die ihr Werk nicht in eine Reihe mit den Künstlern der französischen katholischen Renaissance stellt, sondern sie in eine Reihe mit Jean-Baptiste Simeon Chardin, Giorgio Morandi und Vilhelm Hammershøi stellt.

Marc Chagall, vielleicht der bedeutendste visuelle Interpret der Bibel im 20. Jahrhundert, gehörte zu den Künstlern, die eine besondere Verbindung zu Maritain hatten. Seine Vision des Alten Testaments verbindet sein jüdisches Erbe mit moderner Kunst und bietet eine reiche Darstellung von Symbolen und Fantasie. „Seit meiner frühen Jugend war ich von der Bibel fasziniert“, sagte Chagall: „Sie schien mir immer und kommt mir immer noch so vor, als wäre sie die größte Quelle der Poesie aller Zeiten. Seitdem habe ich das getan.“ suchte diese Widerspiegelung im Leben und in der Kunst. Die Bibel ist wie ein Echo der Natur und dieses Geheimnis habe ich zu vermitteln versucht.“ „Marc Chagall und die Bibel“ enthält über 55 Radierungen und Lithographien von Chagalls grafischen Werken, darunter zehn der 105 Radierungen, die zusammen eine Reihe von Werken für Marc Chagalls Bibel (1932–39, 1952–56) bilden, ein monumentales Projekt, das sich über 25 Jahre erstreckt. Ebenfalls enthalten sind alle 42 farbenprächtigen Bilder aus seinen 1956 und 1960 entstandenen Bibellithografie-Suiten, die von Mourlot gedruckt und in Paris von Tériade für Verve als Sonderausgaben veröffentlicht wurden, die ausschließlich Chagalls Originallithografien gewidmet sind.

Louis Carreon und Peter Howson liefern uns zeitgenössischere Beispiele religiös inspirierter Künstler. Der in Kalifornien geborene Carreon hat einen Hintergrund im Taggen, Rappen, Skateboarden und Surfen und ist ein Straßenkünstler, der sich mit Kunstgeschichte und ihrer religiösen Ikonographie auseinandersetzt. Inspiriert vom Hip Hop greift Carreon auf Bilder von Künstlern wie El Greco, Gian Lorenzo Bernini, Peter Paul Rubens und Michelangelo Merisi Caravaggio zurück, um Bilder der Großen auf eine Weise aufzubrechen und darzustellen, mit der sich junge Menschen identifizieren können. Er sagt, er liebe „die Idee, Gemälde zu verstören; Bilder zu übernehmen und alte Gedanken mit neuen Ideen zu übermalen, Sprache hinzuzufügen und Formen zu verwenden, die auf Pflanzen, schamanischen Schwingungen, Graffiti und Bewegung basieren.“ Nach seiner Zeit im Bundesgefängnis wegen Drogen- Im Zusammenhang mit Verbrechen fand Carreon Frieden durch Kunst und eine Reinigung seiner Seele und seines Geistes, was ihn dazu brachte, seine Sucht zu überwinden und sich ganz der Kunst zu widmen. Seine erste Bundesmuseumsausstellung basiert auf seinen mexikanisch-amerikanischen Wurzeln, seiner Wertschätzung für Mexikos Schamanen und einem inspirierenden Besuch in Shambalanté im Dschungel von Yucatan. In den ausgestellten Gemälden steht er im Dialog mit der Arbeit von Frida Kahlo und nutzt Schablonen natürlicher Formen, darunter Steine, Stöcke, Blumen und Palmen, um die landwirtschaftliche Industrialisierung des indigenen Landes zu erforschen. Howson hat durchweg eine apokalyptische Sicht auf Gewalt und Konflikte in menschlichen Gesellschaften erlebt, und seine Retrospektive im City Art Centre in Edinburgh vereint rund 100 Werke aus der Karriere des Künstlers, von denen viele noch nie zuvor in Schottland zu sehen waren. Seine heroischen Darstellungen der Mächtigen und Geringen konfrontieren Themen menschlicher Konflikte und Zerstörung und bieten einen durchdringenden Einblick in die menschliche Verfassung. Seine eigenen Missbrauchserfahrungen – ob selbstverschuldet und substanzbedingt oder die traumatischen Ereignisse seiner Kindheit – prägten seine Weltanschauung und verschafften ihm eine Affinität zu Menschen am Rande der Gesellschaft. 1993 wurde er vom Imperial War Museum zum offiziellen Kriegskünstler in Bosnien ernannt, gesponsert von The Times, und ein Teil der Ausstellung ist dieser traumatischen und erschütternden Erfahrung gewidmet.

Diese traumatischen Erfahrungen führten ihn in die Tiefen der Verzweiflung, und als sein Leben auf einem sehr niedrigen Stand war, wandte sich Howson an Gott und erlebte einen lebensverändernden Moment. Viele der im zweiten Stock der Galerie ausgestellten Werke sind von seiner fortlaufenden Glaubensreise inspiriert, darunter auch seine Serie „Kreuzwegstationen“. Sein Glaube hat Howson dazu gezwungen, weiterhin auf seine ganz eigene Art und Weise auf zeitgenössische Ereignisse zu reagieren. Die Covid-19-Pandemie und der anhaltende Krieg in der Ukraine sind Themen, die er in seinen jüngsten Gemälden und Arbeiten auf Papier untersucht. In der obersten Etage der Ausstellung sind bahnbrechende Hauptwerke des letzten Jahrzehnts wie „Prophezeiung“ und „Babylon“ sowie eine neue Serie apokalyptischer Tuschegemälde voller furchterregender Bestien und grotesker Figuren zu sehen. Die Ben Uri Gallery in St. John's Wood, London zeigt auch ein Hauptwerk von Howson im Rahmen zweier kurzer, fokussierter Ausstellungen mit einem gemeinsamen Thema – „A Brush with Evil“ –, die das Trauma des Zweiten Weltkriegs und seine Folgen untersuchen. „Holocaust Crowd Scene II“ ist ein monumentales Gemälde, das eine eindringliche und eindringliche Darstellung des Grauens und der Brutalität der Nazi-Konzentrationslager bietet, indem es jüdische Gefangene in verschiedenen Haltungen der Trauer, des Leidens und der Klage zeigt. Seine Struktur und Komposition beziehen sich auf klassische und christliche Bilder wie Rubens‘ „Massaker der Unschuldigen“ und Darstellungen des toten Christus (oder der Pietà) und unterstreichen eindringlich das Martyrium der Gefangenen. Im Anschluss an die Ausstellung wird die Darstellung von Dame Laura Knight gezeigt zwei kraftvolle und aufschlussreiche Vorarbeiten für das Gemälde „Gefangene auf der Anklagebank beim Nürnberger Prozess“, das dauerhaft im Imperial War Museum ausgestellt ist und bei und während eines der wichtigsten Prozesse der modernen Geschichte entstand. Knight, eine der bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, war die zweite Frau, die zum Vollmitglied der Royal Academy gewählt wurde, die erste Frau, die mit einer vollständigen Retrospektive in der Royal Academy geehrt wurde, und die einzige Frau, die ernannt wurde als offizieller Kriegskünstler in beiden Weltkriegen. Knight wurde für ihre Darstellungen des Zirkus, des Balletts und der Roma-Gemeinschaft gefeiert und widmete sich im Laufe ihrer langen und bedeutenden Karriere dem Realismus und dem englischen Impressionismus. Im Alter von 68 Jahren wurde sie zur offiziellen britischen Kriegszeichnerin für die Prozesse ernannt und erhielt den seltenen Zugang zum Nürnberger Gerichtssaal. Von der amerikanischen Pressetribüne aus fing sie das intensive Drama und die Emotionen des Prozesses gegen 22 berüchtigte Nazi-Verbrecher ein.

Werke von Knight sind auch in „Essence of Nature“ in der Laing Gallery in Newcastle zu sehen, wo die Gelegenheit besteht, rund 100 Öl- und Aquarellbilder führender Künstler der Präraffaeliten-, ländlichen Naturforscher- und britischen Impressionisten-Schule gemeinsam zu sehen. Als solches ergänzt es „The Rossettis: Radical Romantics“ in der Tate Britain. Die Ausstellung beginnt mit dem Ideal der „Wahrheit gegenüber der Natur“ der Präraffaeliten – vertreten durch Künstler wie William Holman Hunt, John Ruskin und William Dyce. Ruskin schlug bekanntlich vor, dass Künstler darauf abzielen sollten, die Natur aufzuzeichnen, „nichts abzulehnen, nichts auszuwählen und nichts zu verachten“. Er glaubte, dass „das Größte, was eine menschliche Seele jemals auf dieser Welt tut, darin besteht, etwas zu sehen und das Gesehene auf klare Weise zu erzählen“. „Klar zu sehen“, sagte er, „ist Poesie, Prophezeiung und Religion – alles in einem.“ Kunst ist also ein Ausdruck „der Liebe und des Willens Gottes“, zu dem wir vor allem Zugang finden, wenn wir die Pracht der Natur genau betrachten. Die Ausstellung umfasst Ruskins Studie über „Spray of Dead Oak Leaves“ und seine unmittelbare Bergansicht von Mer de Glace, Chamonix, Frankreich, aus dem Jahr 1860. Zu den weiteren Schlüsselwerken der Präraffaeliten zählen Holman Hunts Aquarelle „View of Nazareth and The“. „Plain of Rephaim from Zion, Jerusalem“ und „Cornfield at Ewell“, sowie Dyces „Henry VI at Towton“ und „George Herbert“ und William Inchbolds „The Lake of Lucerne: Mont Pilatus in the Distance“.

Von vergänglichen Einfriedungen bis hin zu zarten Blumeninstallationen vereint „[SHELTER]“ von Anna Masters im Museo Spazio Pubblico, Bologna, eine neue Werkgruppe, die sich über zwei Standorte erstreckt – die Museumsgalerie und ein angrenzendes unbebautes Grundstück. „[SHELTER]“ greift das Motiv der endemischen Flora auf und stellt Fragen darüber, wie wir Orte bewohnen: die Beziehungen, die wir zum Land haben, die Dichotomie zwischen öffentlichen und privaten Räumen und die Performativität des Ortes. In der Galerie präsentiert Masters Wand- und Hängeinstallationen aus Blättern und Blütenblättern einheimischer Pflanzen, eine poetische und einfühlsame Ode an die Naturlandschaft. Daneben gibt es skulpturale Interventionen – Miniaturökosysteme –, die aus in der Nachbarschaft gesammelten Abfällen errichtet werden und eine eher symbiotische Beziehung mit der Natur schaffen sollen. Draußen wird das Publikum in intime Bereiche eingeladen, durchscheinende Blumenüberdachungen aus Stoff, die aus natürlichen Materialien und Farbstoffen hergestellt werden. Innerhalb dieser Ausstellungen erleben wir einen Zusammenbruch der akzeptierten Ortsnormen, da der Außenbereich privaten Zufluchtsort bietet, während die Galerie in einer „wachsenden“ Installation zunehmend mit Flora gefüllt wird. „Sonoran Quipu“ ist eine weitläufige Skulptur, die aus natürlichen und menschlichen Trümmern besteht gesammelt von Einzelpersonen und Organisationen in ganz Tucson, gesammelt in Küchen, Dachrinnen, Künstlerateliers, Gärten und Straßen. Die Künstlerin und Dichterin Cecilia Vicuña verwandelte das Museum in ein Atelier und verwandelte diese Fragmente – Dinge, die als nicht mehr nützlich erachtet wurden – in eine lebende Installation. Die Ausstellung enthält auch Elemente, die einen kleinen Einblick in die Breite von Vicuñas Praxis bieten: drei Videos, ein Tonstück, eine kleine Bibliothek und die Dämpfe von Performances, Ritualen und Beziehungen, die Vicuña während seines Aufenthalts in Tucson geschaffen hat. „Sonoran Quipu“ spürt die Zerbrechlichkeit unserer Welt, während der Klimawandel uns in Richtung Massenaussterben treibt. Indem er Pflanzen- und Industriematerialien miteinander verwebt, lädt der Künstler den Betrachter ein, über die Schönheit und Prekarität unserer Welt und unser vernetztes Verhältnis zur Umwelt und zueinander nachzudenken. Der „Sonoran Quipu“ kombiniert die charakteristischen Skulpturenformen des Künstlers – den monumentalen Quipu und den Precario. Ein Quipu („Knoten“ auf Quechua) ist eine alte Anden-Kommunikationstechnologie, die geknotete Schnüre zum Aufzeichnen von Informationen verwendet und von den Spaniern während der Kolonisierung Südamerikas verboten wurde. Vicuña interpretiert das alte Quipu-System neu und integriert zeitgenössische Materialien, um seine Fähigkeit, Welten und Menschen zu verbinden, hervorzuheben. Die skulpturalen Prekarien des Künstlers werden vom Künstler als gleichzeitig „kurz vor der Tür“ und in einem ständigen Zustand der Auflösung beschrieben. Das vergängliche Precario und das zarte Universum des Quipu bestehen aus Materialien, die als wegwerfbar wahrgenommen werden und dem Abfall Bedeutung zurückgewinnen. Dieser neue Auftrag erweitert die ökologischen und kosmischen Themen, die im Mittelpunkt von Vicuñas Lebenspraxis stehen.

Hastings Contemporary veranstaltet die erste öffentliche Galerieausstellung Großbritanniens mit Werken von Yun Hyong-keun, einer der führenden Persönlichkeiten der koreanischen Kunst. Yun erklärte: „Die These meines Gemäldes ist das Tor von Himmel und Erde. Blau ist die Farbe des Himmels, während Umbra die Farbe der Erde ist. Deshalb nenne ich sie ‚Himmel und Erde‘, wobei das Tor als Tor dient.“ Komposition." Die Ausstellung untersucht die Entstehung des „Tors von Himmel und Erde“ in seinem Werk, wobei mehrere Werke seine allmähliche Erweiterung zeigen, bis es fast verschwindet, während das Schlusswerk – aus dem Jahr von Yuns Tod im Jahr 2007 – in „Burnt Umber and Ultramarine“ realisiert wird Blue“ (1999 und 2007), in dem „Himmel“ fast vollständig von „Erde“ verdrängt wird. Die Kombination aus performativen, rhythmischen Strichen, meditativen Qualitäten und monochromatischen Aspekten in Yuns Gemälden stellt einen Kontrast zum westlichen Minimalismus und Werken solcher Künstler dar wie Agnes Martin oder Rothkos Abstrakter Expressionismus. Die Ausstellung verdeutlicht diesen Punkt, indem Yuns Gemälde seine eigene Kultur widerspiegeln und gleichzeitig Vergleiche mit Schlüsselkünstlern im Kanon der amerikanischen und europäischen Abstraktion des 20. Jahrhunderts anregen. Das von Yuns Werk geschaffene Konzept der Stille, insbesondere durch die Interpretation von Toren oder Portalen als Hohlräume, verwandelt den Galerieraum auch in eine Kapelle oder einen Tempel. Das Fenster zur Altstadt wurde ebenso wie die Oberlichter verhüllt, um die meditative Kraft der einzelnen Gemälde zu verstärken. Dadurch kann der Betrachter in die subtile Farbpalette eintauchen, die bei näherer Betrachtung durch die Mischung der beiden Farben die Mischung aus Ultramarin und Umbra offenbart. Er nutzt die rituellen Handlungen des Webens, Knüpfens, Auf- und Abwickelns, um das Skulpturale zu erkunden Mit den Möglichkeiten von Textilien verwandelt der koreanische Künstler Soojin Kang Rohstoffe in Strukturen, die unverkennbare Spuren ihrer biotischen Herkunft bewahren. In ihren Händen wirken Textilien wie Kapillaren, die die Lebenskraft der seltsamen Organismen erzeugen, die sie aus handgefärbtem Leinen, Jute und Seide entstehen lässt. Ihre Skulpturen aus neu entstehenden Formen, die an Totems und Büsten erinnern, bestehen aus Stoff, der um Stahlarmaturen gewickelt, gewebt, gebunden und drapiert ist, und wirken wie Relikte aus einer Horde von Opfergaben an vergessene Götter. Manche ähneln abgeschnittenen Körperteilen; andere erweiterten Abstraktionen organischer Materie; alle stehen auf Sockeln, die in ihrem Maßstab die Proportionen der darunter liegenden Körper erahnen lassen. In den eigenen Worten des Künstlers sieht das Werk „aus, als ob es schon immer dort gewesen wäre“, ohne Artefakte und Organismus-ähnliche Fragmente antiker Statuen. Mit ihren gewebten Körpern klammern sich faserige Wucherungen an den Oberkörper, entwirrte Fäden strömen aus einem herabhängenden Kopf; Hier ist die Grenze zwischen Innen und Außen chaotisch und fragil, und Emotionen werden verkörpert, bevor sie ausgedrückt werden.

„Disability and the Divine“ in der Kathedrale von Peterborough zeigt Arbeiten des neuen Künstlers Marc Bratcher, der die Jungfrau Maria neu interpretieren möchte und untersucht, wie körperliche Behinderung mit Theologie, Geschichte, Kunst, Elternschaft und anderen Themen im 21. Jahrhundert zusammenhängt. „Behinderung und das Göttliche“ ist Teil eines Projekts, das einen neuen Dialog über Vergangenheit und Zukunft beginnen und solche Bilder von Behinderung und der Jungfrau Maria in möglichst viele Kirchen und Kathedralen bringen soll. Bratcher erklärt: „Seit vielen Jahrhunderten besteht die Tradition, Schlüsselfiguren des Christentums auf eine Weise darzustellen, die unterschiedliche kulturelle Perspektiven widerspiegelt. Tatsächlich ist die gesamte Geschichte der westlichen Kunst Teil davon und präsentiert eine sehr europäisierte Vision. Behinderung jedoch ist in den historischen und künstlerischen Aufzeichnungen weitgehend verschwunden. Ich hoffe, einige neue Perspektiven bieten zu können.“ Als schwerbehinderter Künstler mit Zerebralparese kombiniert Bratcher verfügbare Technologien in einem kontinuierlichen Experiment, um die Grenzen der Kreativität zu überwinden. Seine Praxis umfasst eine Vielzahl von Disziplinen, darunter digitale Malerei, Fotografie und hochmoderne künstliche Intelligenz. Maureen Paley präsentiert eine neue Ausstellung von Reverend Joyce McDonald, die erste Einzelausstellung des Künstlers in der Galerie. McDonald, eine multidisziplinäre Künstlerin und Aktivistin, begann in den 1990er Jahren mit Ton zu arbeiten und wurde 2009 zur Pfarrerin geweiht. In ihren skulpturalen Arbeiten verankert sie ihre eigenen persönlichen Erzählungen: das Leben mit HIV seit 1985 und umfassendere kulturelle Erfahrungen in der Familie, Liebe, Verlust, Krankheit, Heilung, Transformation und Transzendenz. McDonald ist ein langjähriges Mitglied des Visual AIDS-Künstlers. McDonald arbeitet sowohl mit glasierter Keramik als auch mit luftgetrocknetem Ton und detailliert ihre figurativen Skulpturen oft mit Materialien, die sie zur Verfügung hat, darunter Acrylfarbe, Kreide, Marker, Glitzer, Stoff, falsche Wimpern und Perlen. Die in einem intimen handgefertigten Maßstab gefertigten Werke in der Ausstellung bestehen aus Büsten, gefäßähnlichen Keramikskulpturen, Gruppen- und Einzelfiguren sowie Wandreliefs. Aktuelle Skulpturen werden neben anderen Skulpturen aus den 1990er-Jahren gezeigt, um oft an Ereignisse in McDonald's eigenem Leben und in der Welt im weiteren Sinne zu erinnern. Gemeinsam markieren sie sowohl persönliche als auch kollektive Wege, würdigen das Streben nach sozialer Gerechtigkeit und gedenken der durch systemischen Rassismus und Polizeigewalt verlorenen Leben.

„Hospitality, Peace and Reconciliation“ schließlich ist eine Ausstellung zur Feier des 50. Jahrestages des Ammerdown Centre in Somerset. Vom Thema Frieden und Versöhnung inspirierte Künstler präsentieren Gemälde, Collagen und 3D-Arbeiten, von „Nistkästen“ bis hin zu Keramik, sowie digitale Kunst und Musik. Sie teilen den Wunsch, über die Notlage der Schöpfung und der Flüchtlinge zu kommunizieren und den Wunsch, Frieden und Kommunikation in einer zunehmend zersplitterten Welt aufzubauen. Ziel der Ausstellung ist es, Ammerdowns Werte widerzuspiegeln und diese auf vielfältige Weise, mit unterschiedlichen Ansätzen und in unterschiedlichen Medien zu vermitteln. Zu den mitwirkenden Künstlern gehören Nicola Clarke, Jane Eaton, Paul Fine, Viv Meadows, Lilith Piper, Tracey Quinn, Rev. Jane Sheppard, LizBeth Spurgeon, Lorna Thomas, Jo Waterworth, Simone Woolerton und Suzanne Woodward. Martin Clark, Direktor des Camden Arts Centre, hat über Piper geschrieben, dass ihre Werke „auf einer reichen Geschichte folkloristischer, magischer und mythologischer Bilder basieren“ und „als kraftvolle, poetische Bilder und Objekte wirken, die wie das Formlose in die Existenz fließen und flackern.“ fließende Klänge eines Liedes – zurückerobert von einem repressiven Patriarchat, dem sie sowohl Subjekt als auch Objekt waren, eine Reise aus Eden, nacherzählt von einer neuen Eva.“

'„Gwen John: Kunst und Leben in London und Paris“, Pallant House Gallery, Chichester, 13. Mai – 8. Oktober 2023, hier besuchen „Marc Chagall und die Bibel“, Wycliffe College, Toronto, 16. Mai – 15. Oktober 2023, hier besuchen

„Louis Carreon: Redención“, Teatro Peon Contreras, Yucatán, Mexiko, 4. Mai – 4. August 2023 Besuchen Sie hier „When the Apple Ripens: Peter Howson at 65: A Retrospective“, City Art Centre, Edinburgh, 27. Mai – 1. Oktober 2023 Besuchen Sie hier „A Brush With Evil“, Ben Uri Gallery – Peter Howson, 14. Juni – 14. Juli 2023; Laura Knight, 26. Juli – 1. September 2023 Besuchen Sie hier „Essence of Nature: Pre-Raphaelites to British Impressionists“, Laing Gallery, Newcastle, 27. Mai – 14. Oktober 2023 Besuchen Sie hier „[SHELTER]“, Museo Spazio Pubblico, Bologna, 29 Juni – 29. Juli 2023 Besuchen Sie hier „Cecilia Vicuña: Sonoran Quipu“, Museum für zeitgenössische Kunst Tucson, Arizona, 27. Januar – 10. September 2023 Besuchen Sie hier „Yun Hyong-keun“, Hastings Contemporary, 10. Juni – 1. Oktober 2023 Besuchen Sie hier „ Soojin Kang: To Be You, Whoever You Are“, Treffen, London, 11. Mai – 17. Juni 2023 Besuchen Sie hier „Disability and the Divine“, Peterborough Cathedral, 16. Mai – 7. Juli 2023. Besuchen Sie hier „Reverend Joyce McDonald“, Maureen Paley, Studio M, London, 1. Juni – 30. Juli 2023 Besuchen Sie hier „Hospitality, Peace and Reconciliation“, The Ammerdown Centre, 1. Juni – 16. Juli 2023 Besuchen Sie hier

Worte von Rev. Jonathan Evens ©Artlyst 2023

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