Rose B. Simpson denkt in Ton

Dec 23, 2023

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„Ton war die Erde, auf der unsere Nahrung wuchs, er war das Haus, in dem wir lebten, war die Töpferware, aus der wir aßen und mit der wir beteten“, sagt der indianische Bildhauer und aufstrebende Star.

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Von Jori Finkel

ESPAÑOLA, NM – Die Künstlerin Rose B. Simpson saß in ihrem 1985er Chevy El Camino in ihrer Metallbearbeitungswerkstatt und versuchte, das Auto zum Starten zu bringen. Sie öffnete die Motorhaube, drehte die Zündung und trat dann leicht auf das Gaspedal. Nachdem sie dies einige Male wiederholt hatte, begann das Auto laut zu rumpeln.

Es war nicht ihr Alltagsauto, aber eher ein Kunstwerk, das sie in den letzten 10 Jahren geschaffen hat, hier im selbsternannten Lowrider-Hauptstadt der Welt. Simpson reparierte große Dellen, indem er in einer Karosseriebauschule lernte, wie man Metall formt. Sie ersetzte den Motor durch einen, den sie in einem Rennsportgeschäft in Phoenix gekauft hatte. Und sie bemalte das Äußere mit einem schwarz-auf-schwarzen, glänzenden und matten geometrischen Design und nannte das Auto Maria als Hommage an die berühmte Tewa-Töpferin Maria Martinez aus dem San Ildefonso Pueblo, die 1980 starb.

„Maria kommt der Herstellung traditioneller Töpferwaren so nahe wie ich“, sagte Simpson, 38, ein eingeschriebenes Mitglied des Santa Clara Pueblo (Kha'po Owingeh), das südlich von Española ansässig ist. Sie gehört zu einer langen Linie von Keramikkünstlern, die Hunderte von Jahren zurückreicht. Doch anstatt die robusten, glänzenden roten oder schwarzen Töpferwaren herzustellen, für die ihr Pueblo bekannt ist, erlangt sie in der Kunstwelt Anerkennung für ihre kraftvollen androgynen Tonfiguren, oft mit Metallverzierungen, die wie Schmuck, Rüstung oder beides aussehen.

Nachdem er Maria vorgeführt hatte („Ich muss im Leerlauf arbeiten“), überquerte Simpson eine Terrasse zu ihrem Keramikatelier auf dem Grundstück, einem kleinen Lehmbau mit einem „Reinraum“ zum Nähen und Zeichnen im Hintergrund. Ein Dutzend ihrer zart-wilden Gestalten standen dicht gedrängt davor. Einige trugen Perlenketten, während andere darauf warteten, mit Autoteilen – Metallzahnrädern und Bremsscheiben – geschmückt zu werden, wie eine bunte Kriegertruppe, die sich auf den Kampf vorbereitet.

Mehrere dieser Skulpturen, die sie „Wesen“ oder „Vorfahren“ nennt, gehen jetzt in Museen an der Ostküste: 11 aktuelle Werke im ICA Boston im August und ein neuer Auftrag im Fabric Workshop and Museum in Philadelphia im Oktober. Und am 18. Juni wird eine Reihe von 12 schlanken Figuren aus Gussbeton ein Grundstück in Williamstown, Massachusetts, namens Field Farm, präsidieren, Teil eines öffentlichen Kunstprogramms der Denkmalschutzgruppe The Trustees.

Die als „Gegenkultur“ bezeichneten, 2,70 Meter großen, hermenähnlichen Figuren haben dank eines verblüffenden visuellen Effekts eine jenseitige Präsenz: Simpson hat Löcher für die Augen herausgearbeitet, die bis zum Hinterkopf reichen und das Licht durchlassen – oder Leben – durchströmen.

„Wenn man Licht durch ihre Augen sieht, wird es so sein, als würde der Himmel einen sehen“, fügte die Künstlerin hinzu und erklärte, dass sie über die globale Ausbeutung natürlicher Ressourcen nachdenke. „Ich wollte dieses Drehbuch umdrehen, damit diese Ressourcen Sie auf eine einschüchternde Weise beobachten.“

Da sie befürchtete, dass Keramik in diesem Maßstab zerbrechlich sein könnte, fertigte Simpson ihre Formen für „Counterculture“ an, indem sie Originalversionen aus Holz schnitzte. Aber auch diese Arbeiten begannen mit Tonmodellen.

„Ich denke in Ton“, sagte sie. „Ton war die Erde, auf der unsere Nahrung angebaut wurde, er war das Haus, in dem wir lebten, er war die Töpferware, aus der wir aßen und mit der wir beteten. Meine Beziehung zu Ton ist also uralt und ich denke, er hat ein tiefes genetisches Gedächtnis. Er ist wie ein Familienmitglied.“ für uns." Sie erinnert sich, wie ihre Urgroßmutter, die Künstlerin Rose Naranjo, mit ihrem Ton sprach, und sie sagte, ihre Mutter, Roxanne Swentzell, habe gelernt, Figuren als Hilfsmittel zu formenzu kommunizieren, lange bevor sie sprach.

Während Swentzell wunderschön glatte Skulpturen von indigenen Frauen bei alltäglichen Aktivitäten anfertigt, neigt Simpson dazu, die Dinge etwas rauer zu gestalten. Sie lässt die Oberflächen ihrer Figuren uneben und fügt Verzierungen aus Metall, Leder und anderen Materialien hinzu, um, in den Worten der Los-Angeles-Kuratorin Helen Molesworth, „eine knallharte ‚Mad Max‘-, ‚Blade Runner‘-Atmosphäre zu erzeugen.“

Molesworth sah Simpsons Arbeiten zum ersten Mal im Jahr 2019 im Wheelwright Museum of the American Indian, als er in Santa Fe Urlaub machte. Sie war so beeindruckt von der „Mischung verschiedener Texturen, weich und hart“, dass sie sagte, sie frage sich, ob sie nicht einfach „im Urlaub glücklich“ sei. Zu Hause war sie immer noch fasziniert und beschloss, Simpson letzten Sommer in der Gruppenausstellung „Feedback“ für den New Yorker Galeristen Jack Shainman vorzustellen. Nächstes Jahr wird Simpson eine Einzelausstellung mit Shainman und eine weitere in San Francisco mit ihrer dreijährigen Galerie Jessica Silverman haben. (Die Galeristen machten keine Angaben zu den Preisen für Simpsons Arbeiten.)

Molesworth vergleicht Simpson mit den Künstlern Simone Leigh, Wangechi Mutu und Karon Davis, die der Tradition der westlichen figurativen Skulptur mit ihrer starken Betonung von Denkmälern und Denkmälern neues Leben eingehaucht haben. „Die meisten figurativen Skulpturen bieten einen Körper, der undurchdringlich, stark und kraftvoll ist“, sagte sie. „Aber bei diesen Frauen hat der Körper auch eine gewisse Qualität von Intimität oder Verletzlichkeit. Ich finde, das ist ungewöhnlich.“ Im Fall von Simpson, fügte sie hinzu, spiele der Ton eine große Rolle: „Das Material ist zerbrechlich und verletzlich.“

Während Simpson in Española auf einem Familienanwesen arbeitet, lebt sie mit ihrer kleinen Tochter im Santa Clara Pueblo, wo sie aufgewachsen ist. Nach der Scheidung ihrer Eltern wurde sie dort hauptsächlich von ihrer Mutter großgezogen. Sie sagte, ihr Vater, ein weißer Künstler, habe sie zum Klettern mitgenommen und ihr das Segeln auf einem örtlichen Stausee beigebracht. „Er hatte Zeit, mit mir zu spielen, während meine Mutter überlebte“, sagte sie und beschrieb die Situation als „extreme Armut“. Sie lobte weiterhin den Einfallsreichtum und die „tiefe Verbundenheit ihrer Mutter mit dem Land“.

„Wir haben den größten Teil unserer Nahrung angebaut. Wir haben unsere Haustiere gefressen“, sagte sie und erwähnte Truthähne, Hühner und Schweine. Sie erinnerte sich auch daran, wie ihre Mutter ihre Schuhe von Hand herstellte: Sie zerschnitt mit einer Stichsäge kaputte Reifen, die sie von der Mülldeponie geborgen hatte, und nähte dann Lederriemen an das Gummi.

Simpson wurde bis zur High School zu Hause unterrichtet, dann besuchte sie die Santa Fe Indian School, trat dem Jahrbuchkomitee bei und füllte das Buch mit Zeichnungen ihrer Klassenkameraden in Stilen, die von ihren Lieblingscomic-Zeichnern inspiriert waren, darunter Los Bros Hernandez aus „Love and Rockets“. ." Nach dem College in Albuquerque und Santa Fe absolvierte sie einen Master in Bildender Kunst an der Rhode Island School of Design. Dort entdeckte sie, dass ihre ausgefeilteren, realistischeren Skulpturen für „eine visuelle Sprache sorgten, die andere Menschen weder sprachen noch verstanden“.

Ein Wendepunkt kam während einer Schulreise im Jahr 2010 nach Kashihara, Japan. Die Begegnung mit japanischen ästhetischen Traditionen, die die Akzeptanz des Prozesses über die Perfektion der Form stellen – und keinen Unterschied zwischen Kunst und Handwerk machen – half ihr, ernsthafter über das kreative Erbe ihres Pueblos und ihres eigenen nachzudenken. „Ich wurde in eine Welt versetzt, in der ich völlig unfähig war zu kommunizieren, was für mich der westlichen Kunstwelt nicht unähnlich war“, sagte sie. „Mir wurde klar, dass meine Kunstwerke viel spezifischer und klarer werden mussten.“

Ihre Klarheit erlangte sie durch eine von ihr entwickelte Technik, die sie „Slap-Slab“ nennt und die sie heute noch neben traditionellen Töpfermethoden anwendet. Dabei wird eine Tonplatte seitlich auf den Boden oder Tisch geworfen, bis sie sehr dünn ist, vielleicht 1/16 Zoll. Dann reißt sie Stücke von Hand ab und befestigt sie aneinander, mit einem Effekt, der an Pappmaché erinnert. „Man kann die Nähte, die Kneifen, die Fingerabdrücke, alles sehen“, sagte sie.

Slap-Slab steht für Unvollkommenheit und Intuition. „Wenn man an einen intuitiven Ort gelangen kann, glaube ich, dass man den intuitiven Ort bei anderen wirklich kitzeln kann.“ Es gab ihr auch eine Metapher dafür, wie man lernt, sich selbst zu akzeptieren, mit all seinen Klumpen – oder „einen Muskel der Akzeptanz aufzubauen und Mitgefühl für die schlampigeren, komplizierteren Teile von uns selbst zu finden“.

Vor fast sechs Jahren wurde Simpson alleinerziehende Mutter, was auch ihre Arbeit prägte. Da ihre Skulpturen als hohle Tonformen bereits gewissermaßen Gefäße waren, spielt sie nun explizit mit der Vorstellung des weiblichen Körpers als Gefäß, als Vehikel der Ernährung. Einige ihrer Figuren sind runder geworden und tragen Babys auf ihren Schultern. Einer, der in „Feedback“ auftauchte, ist das Krabbeln mit Kindern – zusammengehalten von einem Stahlgerüst, das zu gleichen Teilen wie ein Käfig und ein Klettergerüst wirkt. Ihre Gesichter ähneln denen der Künstlerin und ihrer Tochter. „Man kann nicht die Geschichte eines anderen erzählen. Man kann nur seine eigene erzählen“, bot sie an.

Obwohl sie ihre Arbeit als spirituell betrachtet, achtet Simpson darauf, keine Einzelheiten über die religiösen Praktiken oder Überzeugungen des Santa Clara Pueblo preiszugeben. „Ureinwohner waren so vielen Stereotypen ausgesetzt, dass ich damit äußerst vorsichtig sein muss – wir haben in der Geschichte gesehen, wie spirituelle Arbeit einfach aufgefressen, ausgespuckt und ausgebeutet wird“, sagte sie. „Menschen wurden aus dem Stamm geworfen, weil sie Kunst schufen, die sich auf einen bestimmten spirituellen Glauben bezog.“

Sie hat ihr eigenes Symbolsystem entwickelt, mit „+“-Zeichen zur Markierung der vier Himmelsrichtungen, die auf eine Reise hinweisen, und „x“-Zeichen zur Darstellung von „Schutz“. (Von was? „Negative Kräfte“, sagte sie.) Die Zeichen sind auf ihre Finger tätowiert und erscheinen auf ihren Skulpturen.

Dann ist da noch der auffällige Schmuck, der ihre Skulpturen schmückt. Miranda Belarde-Lewis, eine Zuni/Tlingit-Wissenschaftlerin und Kuratorin, die an der University of Washington lehrt, sieht darin eine Möglichkeit für Simpson, sowohl die Identität der Vorfahren als auch die des Einzelnen zu vermitteln. „Die Stärke, die sie von ihrer Mutter gelernt hat, die Stärke, als Pueblo-Frau sie selbst zu sein, kommt in ihren Kunstwerken so deutlich zum Ausdruck“, sagte sie. „Man kann dieses Selbstvertrauen am trotzigen Gesichtsausdruck erkennen, aber auch an der Menge an Schmuck, die sie tragen, und an der Größe ihrer Ohrringe“, sagte sie und fügte hinzu: „Das ist eine große Sache in den Gemeinschaften der Ureinwohner – wir lieben unsere Ohrringe.“ "

Die Idee für „Counterculture“, die ein Jahr lang laufen soll, ist eine Kaskade aus Perlenketten. Nachdem ich welche selbst gemacht habe, Simpson hat auch die Stockbridge-Munsee Community Band of Mohican Indians, auf deren angestammtem Land die Field Farm liegt, eingeladen, Perlenketten aus Ton ihres Landes anzufertigen, um ihre geformten Körper zu schmücken. Ihr Plan ist es, während der Reise der Figuren weitere Halsketten von indigenen Gemeinschaften hinzuzufügen.

„Wohin sie auch gehen, ich werde mich mit den Menschen verbinden, deren angestammte Heimat dort ist, um eine Art Beziehung aufzubauen“, sagte sie. „Viele Stämme wurden umgesiedelt und von ihrem eigenen Land vertrieben. Deshalb wollte ich die Gelegenheit haben, ihren Lehm wieder in ihre Hände zu legen.“

In einer früheren Version dieses Artikels wurde der Standort der Stoffwerkstatt und des Museums falsch angegeben. Es ist in Philadelphia, nicht in Pittsburgh.

Wie wir mit Korrekturen umgehen

Jori Finkel ist eine Reporterin, die über Kunst aus Los Angeles berichtet. Sie ist außerdem Redakteurin für The Art Newspaper an der Westküste und Autorin von „It Speaks to Me: Art that Inspires Artists“.

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